Tempo (2021): Adaptação de HQ sobre questão climática e o distanciamento familiar questiona a função do cinema e a visão paradisíaca do mundo após a pandemia

A família de Guy e Prisca Cappa leva seus filhos pequenos⁠ Maddox e Trent⁠ para um resort tropical para as férias em família. As crianças não sabem, mas o casal só fez a viagem pois planeja se divorciar. No hotel em que estão hospedados, Guy e Prisca recebem bebidas de cortesia e as crianças fazem amizade com o sobrinho do gerente do resort, Idlib. O gerente convida a família para uma praia isolada, onde mais pessoas estão presentes; o rapper Mid-Sized Sedan e uma companheira; o cirurgião Charles, sua esposa Chrystal, sua filha Kara e a mãe de Charles, Agnes; e Jarin e Patricia Carmichael, marido e mulher muito unidos. Brincando de esconder, Trent⁠ descobre um cadáver. Charles começa a suspeitar do Sedan, que revela que está tendo sangramentos no nariz por causa de sua aflição com hemofilia. É então que eles percebem que tem algo de muito estranho com o tempo. O filme, gravado ao longo da pandemia de Covid-19, é uma adaptação de uma HQ de Pierre Oscar Lévy e Frederik Peeters chamada "Sandcastle" ou "Castelo de Areia", que fala sobre o impacto das mudanças climáticas, fases da vida e o envelhecimento na modernidade

Depois que Agnes morre repentinamente, as três famílias se agrupam e concluem que a praia está envelhecendo rapidamente , com os ocupantes passando pelo equivalente a um ano de envelhecimento a cada 30 minutos. Eles descobrem que pelo menos um membro de cada família tem uma condição médica subjacente e que tentar sair resultará em desmaios. Em um acesso de raiva, Charles corta o Sedan de tamanho médio com um canivete e o grupo observa enquanto sua lesão cicatriza rapidamente. Depois que Prisca desenvolve um tumor no estômago , Charles realiza uma cirurgia bem-sucedida para removê-lo. Logo depois, o Sedan de porte médio descobre que o corpo de seu companheiro se decompôs em questão de horas.

Todas as três crianças já atingiram a idade adulta. Um vínculo entre o amadurecimento de Kara e Trent leva Kara a dar à luz rapidamente, mas o bebê morre rapidamente por causa dos efeitos da praia. Em meio ao grupo que luta para escapar da praia, Trent e Maddox descobrem o caderno de um viajante anterior, junto com indicações de que estão sendo vigiados. As tentativas de sair ficam mais tensas quando o agravamento da esquizofrenia de Charles o leva a matar o Sedan de porte médio. Enquanto Jarin se afoga e Kara cai para a morte enquanto procuram uma saída, Patricia sofre uma crise epiléptica fatal e hipocalcemia de Chrystalresulta na ruptura de seus ossos, matando-a. Charles finalmente ataca Guy à noite em um episódio esquizofrênico, mas Prisca o corta com uma faca enferrujada, instigando uma infecção sanguínea fatal que o mata em segundos. À medida que a noite cai, um idoso Guy e Prisca se reconciliam antes de morrerem momentos separados um do outro.

Com apenas Maddox e Trent, agora de meia-idade, remanescentes na manhã seguinte, a dupla constrói um castelo de areia. Eles então revisitam uma mensagem secreta dada a eles por Idlib, que Trent deduz estar conectada a uma passagem subaquática de coral. Acreditando que a passagem vai permitir que saiam da praia sem perder a consciência, ele e a irmã começam a nadar pelo coral. Depois que eles não conseguem sair da água, um funcionário do resort que os monitora relata que todo o grupo morreu. Ele dá a notícia ao gerente, que menciona um incidente anterior em que um hóspede quase escapou da praia antes de anunciar que o julgamento 73 foi concluído.

É revelado que o resort é uma fachada para uma equipe de pesquisa conduzindo testes clínicos de novos medicamentos, que são administrados a hóspedes com problemas de saúde por meio de adição de suas bebidas. Como a praia acelera naturalmente a vida dos hóspedes, os pesquisadores conseguiram concluir os testes de duração das drogas em um dia. Os pesquisadores avançam com a atração de um novo grupo para a praia, mas são interrompidos pela chegada de Trent e Maddox, que sobreviveram ao mergulho subaquático. Usando o caderno como prova do desaparecimento de vários hóspedes, os irmãos conseguem trazer a polícia ao resort. Assim que os pesquisadores são presos, Trent e Maddox voltam para casa para morar com sua tia, incertos sobre seu futuro.

História, bastidores e curiosidades do filme 

O filme é uma adaptação de uma HQ de Pierre Oscar Lévy e Frederik Peeters chamada "Sandcastle" ou "Castelo de Areia". Recentemente, o diretor Shyamalan  explicou que a HQ lhe deu uma oportunidade para refletir inúmeras ansiedades que ele tinha acerca da morte e envelhecimento. Shyamalan também revelou que tem muito medo de seus pais envelhecerem. Portanto, tanto a história em quadrinhos quanto o filme serviram como uma válvula de escape para essas angústias.

Quando era pequeno, o autor e diretor de cinema francês Pierre Oscar Levy, hoje com 66 anos, ia todas as férias para a praia de Gulpiyuri, na Espanha. O local, no entanto, parecia estranho, já que vivia sempre vazio. Com o passar dos anos, ele começou a trazer a ideia de uma história, em que o tempo se passava rápido demais dentro daquele ambiente.

A ideia inicial era fazer um filme com partes gravadas ano a ano —próximo ao que foi feito em “Boyhood: Da Infância à Juventude”, de Richard Linklater, e em “Alguma Coisa Assim”, de Esmir Filho e Mariana Bastos. Logo que contou para um produtor, a resposta foi bem direta –“impossível". É o que Levy conta, às risadas, em entrevista por videoconferência com a Folha de São Paulo.

Toda essa trama acabou, quase 40 anos depois, sendo adaptada no quadrinho “Castelo de Areia”, relançado no Brasil pela editora Tordesilhas. A HQ também ganha as telas dos cinemas na adaptação do diretor M. Night Shyamalan. Isso poderia até ter acontecido antes, já que houve outras seis propostas para uma adaptação em longa-metragem. Mas a questão financeira pesou para só o suspense de Shyamalan ter ido para frente.

O HQ original que inspira "Tempo" tem duas discussões, a questão climática e o distanciamento familiar, estando o primeiro bem mais em evidência. “Para mim, ‘Castelo de Areia’ é sobre a era da natureza. Quando eu era criança já sabia dos problemas climáticos. Toda a minha vida estive envolvido dentro desse debate”, diz o autor da HQ. “É complicado quando você sabe de um problema que vai acontecer durante toda a sua vida e não vê ninguém fazendo nada para mudar isso.”

O despertar em Levy foi em 1967, quando leu o segundo volume do quadrinho “Valerian”, uma pequena narrativa em que Nova York fica sob as águas. No ano seguinte, viu na TV uma reportagem sobre a possível inundação de diversas cidades, como Tóquio e Bancoc.

“Quando soubermos que seremos extintos, vamos nos sentir como os personagens naquela praia, cheios de medo”, diz. “Precisamos enxergar a natureza como nossa mãe. Por isso, precisamos também de histórias que tragam soluções para esse problema."

Sobre o distanciamento da família, o artista conta que viveu isso na pele, em especial o sentimento de “como as crianças são deixadas completamente sozinhas por adultos”.

A ideia para o personagem Charles veio de uma particularidade da família do autor: o fato de seu pai ser um fascista declarado. Dali saiu a inspiração para o homem que põe a culpa de toda a situação numa pessoa negra, que já estava na praia antes de as famílias chegarem ali. Na adaptação para os Estados Unidos, esse personagem é mexicano e no Brasil podia ser o índio.

“Castelo de Areia” é um quadrinho que não termina com muitas explicações —ao menos não diretamente. A ideia original do roteiro era trazer um elemento de dominação do governo, algo que acabou não acontecendo, já que Pierre Oscar Levy havia pensado numa trilogia, mas Peeters nunca a aceitou fazer.

A HQ diverge um pouco do tom do filme. Mas já li e vale muito a pena, sendo facilmente encontrada em pdf no Google.

O segundo volume até esteve próximo de ir para frente, mas foi rejeitado. Se essas histórias vão aparecer no futuro, o autor duvida muito, porém diz que não tem como prever. “Talvez as pessoas acabem nunca sabendo o que realmente aconteceu ali.”

Em setembro de 2019, a Universal Pictures anunciou seus planos de distribuir dois filmes de suspense, até então sem título, com financiamento independente, escritos e dirigidos por M. Night Shyamalan. Em um comunicado, o presidente da Universal Pictures, Peter Cramer, disse que esses projetos continham "histórias altamente originais", enquanto Shymalan acrescentou: "Existem estúdios maravilhosos por aí, mas a Universal tornou obrigatório o lançamento de filmes originais. Eles são os melhores em encontrar um público para novas histórias com tons inesperados. Acredito que filmes originais são cruciais para a longevidade da experiência teatral. " 

Em maio de 2020, Eliza Scanlen, Thomasin McKenzie, Aaron Pierre, Alex Wolff e Vicky Krieps iniciaram negociações para estrelar. Em junho, todos eles se juntaram ao elenco ao lado de Abbey Lee, Nikki Amuka-Bird e Ken Leung. Em julho, foi relatado que Shyamalan, Marc Bienstock e Ashwin Rajan produziriam o projeto através da Perfect World Pictures e Blinding Edge Pictures, com Gael García Bernal também sendo escalado. Em agosto, Rufus Sewell, Embeth Davidtz e Emun Elliottforam todos anunciados como parte do elenco.

Em 26 de setembro de 2020, a fotografia principal começou na República Dominicana e para comemorar, Shyamalan revelou o título do filme e publicou seu primeiro pôster promocional de lançamento. No mesmo dia, Collider relatou que o filme foi uma adaptação de Sandcastle, a história em quadrinhos francesa dos autores suíços Pierre Oscar Levy e Frederik Peeters , que Shyamalan havia recebido como um presente coletivo de Dia dos Pais de suas três filhas em 2017. Old marca o primeiro filme da carreira de Shyamalan a não ter nenhuma filmagem em sua cidade natal, Filadélfia, Pensilvânia. Com um orçamento de $ 18 milhões, as filmagens ocorreram durante a pandemia de COVID-19 com o cineasta Michael Gioulakis, usando filme de 35 mm, e foram concluídas em 15 de novembro de 2020. Após o término das filmagens, Shyamalan disse Old foi o primeiro filme a ser rodado durante a pandemia na República Dominicana e que, durante as filmagens, ninguém testou positivo para o vírus quando ele pagou a estadia de dez semanas da equipe de produção em um hotel. 

Old foi inspirado em filmes criados durante a New Wave australiana, incluindo Walkabout (1971) e Picnic at Hanging Rock (1975), junto com The Exterminating Angel (1962), Kuroneko (1968), Jaws (1975) e The Twilight Zone. Para criar um sentimento claustrófobo, Shyamalan emprega várias técnicas de filmagem de Kurosawa em Rashomon (1950) e Ran (1985). 

Old foi filmado principalmente em um único local, a praia de Playa El Valle, localizada entre duas montanhas na costa norte de Santa Bárbara de Samaná. As filmagens adicionais aconteceram no Pinewood Dominican Republic Studios em Juan Dolio e em vários locais ao redor de Samaná. Para capturar imagens da natureza circundante, a filha de Shyamalan, Ishana, foi a segunda diretora do filme. Sua outra filha, Saleka Shyamalan, escreveu uma canção original para o filme intitulada "Remain" que foi inspirada no tema dos votos de casamento e "With or Without You" do U2, "costumava" destacar a relação entre Guy e Prisca e o amor que existe entre eles. "

Vários membros do elenco relembraram Shyamalan usando storyboards para enquadrar cada cena do filme. Ishana Shyamalan descreveu a escolha de seu pai como uma abordagem "muito prescrita e programática", enquanto Wolff disse que o diretor "tinha tanta precisão em termos de qual idade ele queria que você tivesse e onde ele queria que você estivesse nessa idade. iria apenas guiá-lo onde você precisava estar emocionalmente, e então aconteceria naturalmente." 

Em uma entrevista ao The Hollywood Reporter, Wolff disse que ele e McKenzie foram os primeiros atores a serem escalados após enviar fitas de audição, e lembrou que desmaiou durante as filmagens da cena da gravidez devido às altas temperaturas. Durante a pós-produção, a edição foi concluída por Brett M. Reed, e a trilha do filme foi composta por Trevor Gureckis e lançada pela Back Lot Music em 23 de julho de 2021 

Quando NME 's Beth Webb perguntou sobre os diferentes temas abordados em Old, Shyamalan respondeu: "É definitivamente sobre o nosso relacionamento com o tempo e, na minha opinião, o nosso relacionamento disfuncional ao tempo que todos nós temos. Até nós estamos obrigados a examiná-lo , seja uma pandemia ou os fatores que estão nesta situação para esses personagens, que eles estão presos nesta praia e eles têm que refletir sobre sua relação com o tempo. Você vê alguns personagens incapazes de navegar por isso e então alguns personagens encontram paz. Por que eles encontraram paz e como eles encontraram paz em meio a todo esse caos? Então, há essa conversa sobre isso, aquela que estou tendo de mim mesmo com o tempo."

No Festival de Cinema de Tribeca, Shyamalan disse que o foco do filme no envelhecimento o lembrava de seu pai, que tem demência, e de seus filhos enquanto os observa crescer. Durante o evento, Alex Wolff comparou o filme à pandemia de COVID-19, "Saindo de COVID, parece que o tempo parou. E é disso que o filme trata literalmente." Na estreia do filme, Wolff foi questionado sobre sua interpretação do filme e disse que era "uma espécie de meditação existencial alegórica sobre o envelhecimento". Outros membros do elenco concordaram; Nikki Amuka-Bird disse que o filme era sobre não dar valor à natureza, Gael García Bernaldisse que se tratava de questionar como o tempo viaja de maneira diferente para outras pessoas, e Vicky Krieps descobriu que se tratava de "amor e família e todas essas coisas que são muito mais fortes do que quaisquer medos - o medo de envelhecer e o medo da morte".

A equipe de produção do longa precisou enfrentar furacões, marés altas e prazos curtíssimos para entregar a obra completa. Além de não terem cobertura para furacões, a produtora também não conseguiu obter um seguro para casos de COVID na equipe. Portanto, tudo foi feito sob uma enorme pressão. Como o próprio Shyamalan afirma no featurette, não houve espaço para erros. Tudo precisou ser feito com os mínimos detalhes programados, para evitar imprevistos. “Por conta da maré que apagava a praia, precisávamos filmar partes específicas do roteiro em horários similares todos os dias”, explica.

Leitura e crítica do filme 

Shyamalan sempre dividiu opiniões com seus filmes e não ia ser em Tempo que as coisas iam ser diferentes. Com exceção do aplauso unânime para O Sexto Sentido (1999) e do desprezo unânime por O Último Mestre do Ar (2010), Tempo ajudou Shyamalan a atingir uma marca que ninguém pode contestar: lidera as bilheterias americanas de quatro décadas diferentes.

Os filmes de Shyamalan sempre dão lucro: já arrecadou 65 milhões de dólares (341 milhões de reais) mundialmente, com um orçamento de apenas 18 milhões de dólares (94 milhões de reais). Desde O Sexto Sentido, nenhum título do diretor e roteirista teve uma bilheteria menor que seu orçamento, mesmo quando o investimento foi alto. Shyamalan é garantia de satisfação comercial, da produção e dos estúdios.

No plano dos espectadores e comentaristas, porém, a coisa muda dependendo de quem opina. Nunca soube que havia uma indisposição por parte dos cinéfilos com os filmes de Shyamalan, até escrever sobre o filme A Vila (2004). Seus plot twists no final dos filmes, uma marca que se tornou tradicional do cineasta, desagradam muitos, principalmente em filmes como A Vila e O Tempo. 

David Ehrlich, jornalista do Indiewire, foi particularmente cruel, definindo Tempo como um filme “muito idiota” e, ao mesmo tempo, como o melhor trabalho do cineasta desde 2004. Ehrlich se detém em um dos aspectos geralmente mais discutidos de seu cinema: os diálogos, cuja qualidade ele compara, neste caso, à dos filmes de assassinos psicopatas em que casais adolescentes anunciam que vão ao sótão para transar, apenas para morrer instantes depois.

Sean O’Connell, do CinemaBlend, escreveu: “M. Night Shyamalan foi muito criativo com Tempo. Seu trabalho de câmera é empolgante, com algumas das técnicas cinematográficas mais ousadas e agressivas que já vi nos seus trabalhos. Os visuais são mais fortes que a história, mas Thomasin McKenzie continua surpreendendo”,

“Obrigado, M. Night Shyamalan! Não fico tão assustado com a praia desde Tubarão e agora Tempo me colocou em modo de suspense e estresse o filme inteiro. Realmente gostei da premissa e dos temas abordados. Estejam preparados para passar férias perturbadoras e malucas no paraíso. Definitivamente assistam”, escreveu Fico Cangiano do CineXPress.

“Quando Tempo encontra seu ritmo, ele voa como nunca. O filme começa lentamente e eventualmente se torna um horror corporal que, de alguma forma, consegue se misturar com drama familiar. Filme de verão muito divertido de M. Night Shyamalan”, tuitou Mike Reyes, do CinemaBlend. “Tempo é o filme de Shyamalan mais elegantemente dirigido desde Sinais. Também é aterrorizante para c*ralho. Os fãs de Shyamalan vão ter muito o que falar com aquele final”, disse Carol Grant do Vice.

Por outro lado, há quem diga sobre Tempo: "Eu assisti há um tempo e ainda não sei como me sinto em relação a ele. M. Night geralmente faz coisas ousadas e costuma acertar em cheio, ou errar tão feio que acaba se arrebentando. Tempo é nenhum desses. Só é ok, o que é uma pena”, escreveu Kaitlyn Booth, do Bleeding Cool.

Segundo Andrey Lehnemann, no site NSC Total, o longa testemunha a vida, suas fases e a fatídica morte perante a pandemia de Covid-19. O isolamento do distanciamento social é similar ao distancia contemplativa da praia. O primeiro contato com a morte, o primeiro nascimento, o primeiro assassinato, os preconceitos, o racismo e a passagem da juventude para a vida adulta com suas responsabilidades. Tudo dentro de um espaço em que o tempo passa rápido demais. Para Lehnemann, o diretor está falando do cinema. É o próprio Shyamalan que interpreta o homem que registra as experiências das pessoas doentes que são condicionadas entre os rochedos da ilha. Ele aponta a forma com a câmera conta a vida. Em uma sessão de cinema, o filme pode ser qualquer um em cartaz, mas a essência da experiência permanece a mesma: a tela imerge o público numa outra realidade, numa história particular, mas que precisa conversar com todas as expectativas. Do lado de fora, no entanto, as histórias nos jogam num terror sem fim.

Os noticiários falam sobre esperança, porém ela parece muito longe. A realidade acabou se tornando um cinema de múltiplos gêneros. As pessoas se aventuram na rua. A ciência parece envolta numa trama de ficção científica. O vírus transmite horror. Os aplicativos providenciam romances. O drama pandêmico parece nunca ter um final feliz. O que sobra aos diretores e aos cinemas? Que tipo de história contar? Frank Capra, um dos grandes diretores americanos dos anos 1930, driblava a crise de 29 ao narrar a vida com otimismo. O famigerado sonho americano era apreciado pelas plateias, que correspondiam com bons números de bilheteria e a crítica respondia com prêmios. Os protagonistas de Capra eram pessoas boas. Sonhadores, mas que conquistavam o que precisavam: uma boa vida, com paz, cercada por outras boas pessoas.

A crise assolava a América. Mas as plateias ainda conseguiam se refugiar imersos entre os filmes. Na Alemanha, o próprio fascismo percebeu o poder da arte e projetou seus anseios em mensagens audiovisuais. O cinema foi se tornando um reflexo imenso de suas respectivas realidades e, igual, do tempo. Uma sala de cinema representava um olhar de fora da sociedade, ainda que falasse sobre ela. Condensava uma vida diferente, uma vida agradável e sem o tumulto do dia a dia. O grande cinema era um lugar de sonhos e de esperança. O que sobra aos cinemas de 2021? A crise não é mais apenas financeira. O mundo mudou. O streaming trouxe a fuga do dia a dia para dentro de casa, com uma imersão menor e com um tempo mais subjetivo. O cinema de hoje é um momento entre pausas. A arte virou TikTok.

Eu concordo em com algumas coisas na visão de Andrey. Porém, acredito que em busca de uma visão geral que explique o filme, acredito que ele trouxe muitas concepções extra-filme, e esqueceu de comentar o filme em si. Cinema é audiovisual e não só o roteiro. 

O filme no original se chama "Old", algo que seria traduzido como "velho" ou "envelhecendo". Entretanto, preferiram traduzir pelo nome "tempo" pois é justamente sobre o que é o filme. As palavras "tempo" e "espaço" tem significados específicos no cinema. Noel Burch, autor de Práxis do Cinema, afirma que qualquer transição de uma cena para outra sempre gera sentido, confirmativo, negativo ou dialético, pela seu valor de transição temporal, também conhecida como "elipse de tempo". Mesmo quando temos uma elipse de tempo curta, como transitar (campo e contra-campo) o olhar de um rosto para o outro em diálogo, ou quando um em uma cena alguém vai dormir, a tela esmaece até ficar preta e voltar em outra cena, ficando implícito que o personagem dormiu e o tempo e o dia passaram. Estamos sempre falando de uma transição do tempo que não é necessariamente automática ou natural, mas sim reconstruída, artificial.

Como já comentei aqui no blog certa vez, na análise de Tenet, Há uma pedagogia do olhar construída tacitamente ao longo da História pela cultura ocidental, que difere das demais culturas como a oriental por buscar sempre uma "resposta" e um "sentido" linear nas narrativas. Os primeiros cineastas, como Griffith e Eisenstein, que utilizaram isso em sentido de construir narrativas fílmicas construtivas e lineares, ganhando inclusive contornos nacionalistas de identificação coletiva. Hitchcock utilizou isso para desconstruir a lógica e criar elementos e personagens ocultos, que se escondem na não linearidade, como a protagonista de Psicose morrer na metade da narrativa e ser substituída por outra que investigará sua morte, ou começar o filme com um assassinato e a ocultação de um corpo embaixo de uma mesa de jantar, mudando todo o sentido afetivo que um jantar poderia ter, como em Festim Diabólico. 

Assim, os filmes mais épicos, que mais marcam, são aqueles que independente da temática e do orçamento conseguem convergir tempo e espaço de maneira a contar uma história que pareça original e verossímil. Esse é o primeiro fator a considerar em Tempo. A história dos personagens demonstrada, de maneira hierárquica, como menor: eles são cobaias desse experimento que é a praia. Isso faz com que primeiro consideremos esse espaço, a praia idílica e utópica onde o tempo passa rápido demais, sendo quase um personagem do filme. O quê significa ela enquanto metáfora? 

Seguimos então na história e vemos que apesar do tempo acelerar a condição do câncer de Prisca, é também a aceleração do tempo que permite que a cirurgia seja utópica e fácil, já que eles conseguem com uma faca remover e ela se recupera rapidamente. Eu vejo esse momento do filme como a metáfora de um lugar que tem a saúde pública, e logo dessa vez não estamos falando necessariamente dos Estados Unidos. 

Acrescentando a esses fatores, o filme possui como protagonista Gael Bernal, famoso por ter feito Chê Guevara no filme brasileiro Diários de Motocicleta (2004), de Walter Salles. Por um tempo, Bernal se tornou um símbolo do latino médio padrão, protagonizando vários filmes latinos de grande repercussão, como No. Mas aqui se debate o fato de como o escalarem sempre para fazer personagens éticos não seria uma forma de preconceito ou arquetipização. 

Além desses fatores, há o crescimento veloz das crianças fazendo-os chegar rápido demais a maturação sexual, antes mesmo de saberem lidar com isso, o que gera um profundo trauma nos país com um processo natural da vida. E quando uma das crianças cresceu e engravidou aqui pensei: será a praia uma metáfora do Brasil? Talvez não especificamente ou exclusivamente, mas sim de países do sul do mundo, como Brasil, Cuba, China, África do Sul, Índia (país do cineasta), Republica Dominicana (onde o filme foi feito) e outros. 

O tempo acelerado seria uma boa metáfora do processo de relaxamento, seja ele de férias ou de governos socialistas e de bem-estar social, que levam a um pacificação geral da sociedade, de maneira que os problemas pequenos e fases da vida são encarados com grande tensão, estresse e desespero. A pergunta de Shyamalan é validade: estamos nos pacificando do que? Shyamalan está revisitando a comunidade de A Vila em Tempo ao nos propor de novo um universo que se fecha em si, onde a narrativa dos personagens são adereços para o tempo e espaço da história, e por isso no final de a Vila a protagonista volta para a vila: seus tempo e valores estão arraigados no lugar. Só que agora ao invés de sombrio e tradicional, os costumes estão relaxados. 

Concordo com alguns: há um lado conservador e fanfarrão na forma como Shyamalan decide representa certa coisas da história. Por exemplo, as mortes precisavam ser tão ruins e tão gráficas? A morte do bebê, o racista atacando pessoas negras... Era tudo isso realmente necessário? O filme por vezes se torna monótono e dá gatilhos pois você para de sentir empatia pelas pessoas por ser traumática demais a trama. 

Entretanto, não sei o quanto disso era intencional, já que o próprio Shyamalan se colocou como personagem no filme, que olha a distância, reprova tudo que acontece, mas continua seu trabalho (como uma metáfora do diretor que tem seu trabalho cortado pelo estúdio e não possui o controle criativo e do corte final de seus filmes). Geralmente quando diretores se colocam como personagens de seus filmes é porque deu merda. Como quando David Lynch se colocou como Gordon na série Twin Peaks para corrigir uma série de ganchos deixados para trás. 

O hotel, seus funcionários e dono me lembraram muito Westworld, já que tudo não passava de um complô. Só que se antes as férias eram para relaxar as pessoas com o empoderamento da arma, do cavalo e de poder matar quem quiser; em Tempo, sãos as pessoas as próprias cobaias e alvos do experimento. Aqui parece haver uma certa crítica a ideologia do turismo e de como isso pode se resumir a uma fachada e reducionismo, onde só importa da cultura local aquilo que deseja ver o gringo, o turista e os desejos que o seu dinheiro pode comprar. 

Essa construção feita por Shyamalan lembra muito o livro Visão do Paraíso: Os motivos edénicos no descobrimento e colonização do Brasil, do historiador brasileiro Sérgio Buarque de Holanda (1902-1982), publicado em 1959, pela Editora José Olympio. Nele o autor analisa os mitos edénicos aos quais recorre grande parte das narrativas acerca do descobrimento e colonização da América escritas entre o final do século XV e o século XVIII. Os motivos edénicos investigados por Sérgio Buarque eram representações coletivas, nas quais se associava o continente americano ao bíblico Jardim do Éden. Isso criava a ideia de que no Brasil a corrupção imperava e que a América Latina sempre foi vista pelos gringos como um lugar de realização das fantasias e desejos reprimidos. Mas então, por quê será no Brasil tem tanta pobreza?

Também parece uma crítica ao universo das séries e ao estilo de alguns filmes, que se valem de serem voltados para o streaming, para entregarem conteúdos vazios e com bastante violência e sensacionalismo para compensar. Por quê o cinema, que é arte, tem capacidade de entreter, mas o entretenimento não precisa ter respeito a aspectos artísticos? A Netflix é mestre em fazer filmes e séries assim. Essa geração de cineastas e produtores cresceu vendo Tarantino e muita violência na televisão, mas não souberam distinguir um do outro. A violência nos filmes de Tarantino tem sentido com a história (tempo) e os acontecimentos (espaço) sempre. Mas isso não é uma qualidade que muitos cineastas consigam agregar. E não sei nem mesmo se Shyamalan conseguiu isso em Tempo, pois ele utiliza da mesma estética da qual busca criticar de uma maneira tão inerente que é difícil de ver qual é seu ponto por varias vezes ao longo do filme. 

Se é fácil entender que quem estava por trás de tudo era o próprio hotel (estúdio) e Shyamlan era apenas um funcionário cumprindo ordens (diretor), é fácil entender que a "praia" e as pessoas que vão lá para morrer são as pessoas que querem manter o habito de ir ao cinema, mesmo sabendo que, mesmo vacinados, ainda estamos em uma pandemia que ainda mata muitas pessoas. Produzir um conteúdo cultural para passar nos cinemas em um tempo assim não é construir uma espécie de armadilha da morte? Ver no cinema é legal, mas o quando a mentalidade da necessidade da sala de cinema não está associada a uma ideologia patrimonialista e que bloqueia novas histórias, narrativas e diretores que conseguem trabalhar muito melhor com o streaming em produções independentes. Narrativas novas precisam de formas novas de serem contadas, afinal cinema é muito mais como você conta do que o que se conta. 

Entretanto, a metáfora em torno do divórcio trazer a desgraça entre a família e a crítica a ideologia das férias (ao estilo de De Férias com o Ex) pode ser um pouco exagerado por parte do diretor e difícil de entender. A família deve vir em primeiro lugar e o divórcio é errado, Shyamalan? Não acha meio conservador?! O casal dos jovens, que já envelheceu na ilha, só é salvo no final (SPOILER!!!) pelos militares, em um plano final afetuoso e harmonioso. Sério?! A solução para a crise da praia paradisíaca são os militares bolsonaristas/trumpistas?! Só pode ser ironia por parte do diretor, a ironia que já estava presente em a Vila: apesar de tudo, era melhor ficar naquele mundo fechado do que criar novas soluções que dependem de agentes externos de intervenção. 

Esse final e o filme de maneira geral lembram muito Jurassic Park (1993). Era um lugar inovador, científico e maravilho aparentemente, mas que na prática se provou um pesadelo de mortes. Mas como em Parque dos Dinossauros, a resolução é mal pensada e logo fica difícil saber se o diretor está criticando o neoliberalismo e a forma como o capitalismo faz as relações passarem rápido, ou se estamos gostando daquilo e curtindo esteticamente. As questões sobre o tempo e pandemia fica para nossa reflexão, mas Shyamalan precisa acertar isso em seus filmes, pois fica difícil se é para curtir sua fruição ou se ele está rindo da nossa cara.