Clube da Luta (1999): Anarquista ou comunista? As diferenças entre o livro e o filme e como elas explicam polêmicas em torno do final do longa na China
O protagonista do filme, conhecido apenas como o Narrador, um especialista em recall de automóveis, não é está satisfeito com o trabalho e sofre de insônia crônica. Para curar isso, ele frequenta grupos de apoio, se passando por portador de doenças. Sua paz é perturbada quando outra impostora, Marla Singer, começa a frequentar os mesmos grupos. Em um voo para casa de uma viagem, o Narrador encontra o vendedor de sabão Tyler Durden. Ele volta para casa para descobrir que seu apartamento foi destruído por uma explosão. Desanimado com a perda, ele liga para Tyler e eles se encontram em um bar. Tyler diz que ele está preso pelo consumismo. No estacionamento, ele pede ao Narrador para bater nele, e eles brigam. Eles acham a experiência catártica, e concordam em fazê-lo novamente. Dirigido por David Fincher, foi indicado ao Óscar de Melhores Efeitos Sonoros mas não ganhou. Executivos do estúdio não gostaram do filme, e reestruturaram (boicotaram) a campanha de marketing para reduzir as perdas antecipadas. Fight Club não atingiu as expectativas do estúdio nas bilheteiras, e recebeu reações divergentes dos críticos, que elogiaram suas atuações, direção, temas e ambiguidade moral, mas criticaram sua violência. Uma continuação em quadrinhos foi lançada em maio de 2015, intitulada Fight Club 2
O Narrador se muda para a casa de Tyler, uma grande casa em ruínas em uma área industrial. Eles têm mais lutas fora do bar, que atraem multidões crescentes de homens. As lutas se movem para o porão do bar onde os homens formam o Clube da Luta homônimo, que se encontra rotineiramente.
História por trás do filme
A ideia original do livro, Clube da Luta, veio durante uma viagem do autor, quando um grupo próximo a ele estava festejando tarde e alto. Quando Palahniuk tentou fazê-los "calar a boca", ele foi espancado profundamente.
Mas a verdadeira inspiração para o Clube da Luta veio quando ele voltou ao trabalho. Apesar de ter sido espancado e machucado, Palahniuk disse que "as pessoas não me perguntaram o que tinha acontecido. Acho que tinham medo da resposta. Eu percebi que se você parecesse mal o suficiente, as pessoas não gostariam de saber o que você fez no seu tempo livre. Eles não querem saber as coisas ruins sobre você. E a chave era parecer tão ruim que ninguém jamais perguntaria. E essa foi a ideia por trás do Clube da Luta".
O romance Clube da Luta de Chuck Palahniuk foi publicado em 1996. Antes de sua publicação, um olheiro de livros da Fox Searchlight Pictures enviou uma prova do romance para o executivo criativo Kevin McCormick. O executivo designou um leitor de estúdio para revisar a prova como candidato a uma adaptação cinematográfica, mas o leitor a desanimou. McCormick então encaminhou a prova para os produtores Lawrence Bender e Art Linson, que também a rejeitaram. Os produtores Josh Donen e Ross Bell viram potencial e manifestaram interesse.
Eles organizaram leituras não pagas de tela com atores para determinar a forma do roteiro, e uma leitura inicial durou seis horas. Os produtores cortaram seções para reduzir o tempo de execução, e usaram o script mais curto para gravar seu diálogo. Bell enviou a gravação para Laura Ziskin, chefe da divisão Fox 2000, que ouviu a fita e comprou os direitos do Clube da Luta de Palahniuk por US $ 10.000.
Ziskin inicialmente considerou contratar Buck Henry para escrever a adaptação, encontrando O Clube da Luta semelhante ao filme A Primeira Noite de um Homem, que Henry havia adaptado. Quando um novo roteirista, Jim Uhls, pressionou Donen e Bell para o trabalho, os produtores o escolheram em vez de Henry.
Bell contatou quatro diretores para dirigir o filme. Ele considerava Peter Jackson a melhor escolha, mas Jackson estava muito ocupado filmando o filme, The Scareders, na Nova Zelândia. Bryan Singer recebeu o livro, mas não o leu. Danny Boyle se encontrou com Bell e leu o livro, mas ele perseguiu outro filme. David Fincher, que tinha lido Clube da Luta e tinha tentado comprar os direitos ele mesmo, conversou com Ziskin sobre dirigir o filme. Ele hesitou em aceitar a tarefa com a 20th Century Fox no início porque ele teve uma experiência desagradável dirigindo o filme Alien 3 (1992) para o estúdio. Para reparar seu relacionamento com o estúdio, ele se encontrou com Ziskin e o chefe do estúdio Bill Mechanic.
O produtor Ross Bell se reuniu com o ator Russell Crowe para discutir sua candidatura para o papel de Tyler Durden. O produtor Art Linson, que entrou no projeto tarde, se reuniu com Brad Pitt sobre o mesmo papel. Linson era o produtor dos dois, então o estúdio procurou lançar Pitt em vez de Crowe. Pitt estava procurando um novo filme após o fracasso doméstico de seu filme, Encontro Marcado, e o estúdio acreditava que o Clube da Luta seria mais comercialmente bem sucedido com uma grande estrela. O estúdio contratou Pitt por US$ 17,5 milhões.
Para o papel do narrador anônimo, o estúdio desejava um "nome de mais sexy" como Matt Damon para aumentar as perspectivas comerciais do filme. Também se considerou Sean Penn. Fincher, em vez disso, considerou Norton baseado em sua atuação no filme The People vs. Larry Flynt (1996). Outros estúdios estavam se aproximando de Norton para papéis principais no desenvolvimento de filmes como O Talentoso Sr. Ripley e Homem na Lua.
A 20th Century Fox ofereceu ao Norton US$ 2,5 milhões pelo Clube da Luta. Ele não podia aceitar a oferta imediatamente porque ele ainda devia à Paramount Pictures um filme; ele tinha assinado uma obrigação contratual com a Paramount para aparecer em um dos futuros filmes do estúdio por um salário menor. Norton mais tarde satisfez a obrigação com seu papel no filme de 2003, The Italian Job.
Os atores se prepararam fazendo aulas de boxe, taekwondo, grappling, e novela. Pitt visitou voluntariamente um dentista para ter pedaços de seus dentes da frente lascados para que seu personagem não tivesse dentes perfeitos. As peças foram restauradas após a conclusão das filmagens.
A primeira escolha de Fincher para o papel de Marla Singer foi Janeane Garofalo. Enquanto Fincher inicialmente declarou que ela recusou porque ela se opôs ao conteúdo sexual do filme, em uma entrevista em 2020, Garofolo revelou que ela aceitou o papel, mas foi abandonada porque Norton acreditava que ela era mal adequada para o papel. Os cineastas consideraram Courtney Love e Winona Ryder como candidatas iniciais. O estúdio queria escalar Reese Witherspoon, mas Fincher sentiu que ela era muito jovem. Ele escolheu escalar Bonham Carter baseado em sua atuação no filme The Wings of the Dove (1997).
Uhls começou a trabalhar em um rascunho do roteiro adaptado, que excluiu uma narração porque a indústria percebeu na época que a técnica era "hackneyed e banal". Quando Fincher se juntou ao filme, ele pensou que o filme deveria ter uma narração, acreditando que o humor do filme veio da voz do Narrador. Ele descreveu o filme sem uma narração como aparentemente "triste e patético". Fincher e Uhls revisaram o roteiro por seis a sete meses e em 1997 tiveram um terceiro rascunho que reordenou a história e deixou de fora vários elementos importantes. Quando Pitt foi escalado, ele estava preocupado que seu personagem, Tyler Durden, era muito unidimensional. Fincher procurou o conselho do roteirista-diretor Cameron Crowe,que sugeriu dar ao personagem mais ambiguidade. Fincher também contratou o roteirista Andrew Kevin Walker para ajudar. Ele convidou Pitt e Norton para ajudar a revisar o roteiro, e o grupo elaborou cinco revisões ao longo de um ano.
Na época, Palahniuk elogiou a fiel adaptação cinematográfica de seu romance e aplaudiu como o enredo do filme foi mais simplificado do que o do livro. Palahniuk lembrou como os roteiristas debateram se o público do cinema acreditaria na reviravolta do romance. Fincher apoiou incluindo a reviravolta, argumentando: "Se eles aceitaram tudo até agora, eles aceitarão a reviravolta da trama. Se eles ainda estão no cinema até essa parte, eles vão ficar".
O romance de Palahniuk também continha tons homoeróticos, que Fincher incluiu no filme para deixar o público desconfortável e acentuar a surpresa das reviravoltas. A cena do banheiro onde Tyler Durden toma banho ao lado do Narrador é um exemplo dos tons; a frase, "Eu estou querendo saber se outra mulher é realmente a resposta que precisamos", foi feita para sugerir responsabilidade pessoal em vez de homossexualidade. Outro exemplo é a cena no início do filme em que Tyler Durden coloca um cano de arma na boca do Narrador.
O Narrador encontra redenção no final do filme, rejeitando a dialética de Tyler Durden, um caminho que divergiu do final do romance em que o Narrador é colocado em um hospício. Norton traçou paralelos entre redenção no filme e a redenção final do filme A Primeira Noite de um Homem (1967), indicando que os protagonistas de ambos os filmes encontram um meio termo entre duas divisões de si mesmos. Fincher considerou o romance muito apaixonado por Tyler Durden e mudou o final para se afastar dele: "Eu queria que as pessoas amassem Tyler, mas também queria que elas ficassem bem com sua derrota."
Os executivos do estúdio Mechanic e Ziskin planejaram um orçamento inicial de US$ 23 milhões para financiar o filme, mas no início da produção, o orçamento foi aumentado para US$ 50 milhões. Metade foi paga pela New Regency, mas durante as filmagens, o orçamento projetado subiu para US$ 67 milhões.
As cenas de luta foram fortemente coreografadas, mas os atores foram obrigados a "sair por completo" dela para capturar efeitos realistas, como ter o vento arrancado deles. A maquiadora Julie Pearce, que havia trabalhado para Fincher no filme The Game (1997), estudou artes marciais mistas e boxe pay-per-view para retratar os lutadores com precisão. Ela desenhou um ouvido extra para ter cartilagem faltando, inspirada na luta de boxe em que Mike Tyson mordeu parte da orelha de Evander Holyfield.
Maquiadores criaram dois métodos para criar suor: pulverizar água mineral sobre uma camada de vaselina e usar a água não adulterada para "suor molhado". Meat Loaf, que interpreta um membro do clube da luta que tem "peitos de cadela", usava um arreio de gordura de 40 kg que lhe deu seios grandes. Ele também usava elevadores de 20 cm em suas cenas com Norton para ser mais alto que ele.
As filmagens duraram 138 dias de julho a dezembro de 1998, durante as quais Fincher filmou mais de 1.500 rolos de filme, três vezes a média de um filme de Hollywood. Os locais estavam dentro e ao redor de Los Angeles e em sets construídos no estúdio em Century City. O designer de produção Alex McDowell construiu mais de 70 conjuntos. O exterior da casa de Tyler Durden foi construído em Wilmington, Califórnia, enquanto o interior foi construído em um palco de som na localização do estúdio. O interior recebeu um aspecto decadente para ilustrar o mundo desconstruído dos personagens. O apartamento de Marla Singer foi baseado em fotografias de apartamentos no centro de Los Angeles. Ao todo, a produção incluiu 300 cenas, 200 locais e efeitos especiais complexos.
Fincher usou o formato Super 35 para filmar o Clube da Luta, já que lhe deu a máxima flexibilidade para compor as tomadas. Ele contratou Jeff Cronenweth como cineasta; O pai de Cronenweth, Jordan Cronenweth, foi diretor de fotografia do filme Alien 3 de Fincher, mas saiu no meio da produção devido à doença de Parkinson. Fincher explorou estilos visuais em seus filmes anteriores Seven and The Game, e ele e Cronenweth desenharam elementos desses estilos para o Clube da Luta.
Fincher e Cronenweth aplicaram um estilo lúgubre, optando por fazer as pessoas "meio brilhantes". A aparição das cenas do Narrador sem Tyler foi branda e realista. As cenas com Tyler foram descritas por Fincher como "mais hiper-reais em um sentido demolido e desconstruído — uma metáfora visual do que [o Narrador está] vendo". Os cineastas usavam cores fortemente desaturadas na direção de custeamento, maquiagem e arte. Bonham Carter usou maquiagem opalescente para retratar seu personagem niilista romântico. Fincher e Cronenweth atraíram influências do filme American Graffiti de George Lucas, de 1973, que aplicou um olhar mundano aos exteriores noturnos, ao mesmo tempo em que inclui uma variedade de cores.
A tripulação se aproveitou da luz natural e prática. Fincher buscou várias abordagens para as configurações de iluminação; por exemplo, ele escolheu vários locais urbanos para os efeitos das luzes da cidade nos fundos das tomadas. A tripulação também abraçou a iluminação fluorescente em outros locais práticos para manter um elemento da realidade e iluminar as próteses que retratam as lesões dos personagens. Por outro lado, Fincher também garantiu que as cenas não fossem tão fortemente iluminadas, de modo que os olhos dos personagens eram menos visíveis, citando a técnica do cineasta Gordon Willis como a influência.
Clube da Luta foi filmado principalmente à noite, e Fincher filmou os diurnos em locais sombreados. A equipe preparou o porão do bar com lâmpadas de trabalho baratas para criar um brilho de fundo. Fincher evitou trabalho de câmera ao filmar cenas de luta no porão e, em vez disso, colocou a câmera em uma posição fixa. Em cenas de luta posteriores, Fincher moveu a câmera do ponto de vista de um observador distante para o do lutador.
As cenas com Tyler foram encenadas para esconder que o personagem era uma projeção mental do narrador anônimo. Tyler não foi filmado em duas cenas com um grupo de pessoas, nem foi mostrado em qualquer tomada sobre o ombro em cenas onde Tyler dá ao Narrador ideias específicas para manipulá-lo. Em cenas antes do Narrador conhecer Tyler, os cineastas inseriram a presença de Tyler em quadros únicos para efeito subliminar na parte do médico.
Tyler aparece em segundo plano e fora de foco, como um "diabinho no ombro". Fincher explicou os quadros subliminares: "Nosso herói está criando Tyler Durden em sua própria mente, então neste momento ele existe apenas na periferia da consciência do Narrador."
Enquanto Cronenweth geralmente avaliava e expunha o estoque de filmes da Kodak normalmente no Clube da Luta, várias outras técnicas foram aplicadas para mudar sua aparência. O flashing foi implementado em grande parte da fotografia noturna exterior, o contraste foi esticado para ser propositalmente feio, a impressão foi ajustada para ser subexposta. A retenção de prata ENR da Technicolor, foi usada em um número seleto de impressões para aumentar a densidade dos negros, e estoques de impressão de alto contraste foram escolhidos para criar um aspecto "batido", com uma aparência suja.
Fincher contratou o supervisor de efeitos visuais Kevin Tod Haug, que trabalhou para ele em The Game, para criar efeitos visuais para o Clube da Luta. Haug atribuiu aos artistas de efeitos visuais e especialistas, diferentes instalações que cada um abordou diferentes tipos de efeitos visuais: modelagem cg, animação, composição e digitalização. Haug explicou: "Selecionamos as melhores pessoas para cada aspecto do trabalho dos efeitos e, em seguida, coordenamos seus esforços. Dessa forma, nunca tivemos que jogar com a fraqueza de uma instalação."
Fincher visualizou a perspectiva do Narrador através de uma visão "olho da mente" e estruturou uma estrutura míope para o público do cinema. Fincher também usou imagens visualizadas de cenas de efeitos visuais e unidades principais desafiadoras como uma ferramenta de resolução de problemas para evitar cometer erros durante as filmagens reais.
A sequência do filme é uma composição de efeitos visuais de 90 segundos que retrata o interior do cérebro do Narrador a um nível microscópico; a câmera puxa de volta para o exterior, começando em seu centro de medo e seguindo os processos de pensamento iniciados por seu impulso de medo. A sequência, projetada em parte por Fincher, foi orçada separadamente do resto do filme no início, mas a sequência foi concedida pelo estúdio em janeiro de 1999.
Fincher contratou o Digital Domain e seu supervisor de efeitos visuais Kevin Mack, que ganhou um Oscar de Efeitos Visuais pelo filme What Dreams May Come. A empresa mapeou o cérebro gerado por computador usando um sistema L, e o design foi detalhado usando renderizações pela ilustradora médica Katherine Jones. A sequência de recuo de dentro do cérebro para o exterior do crânio incluía neurônios, potenciais de ação e um folículo piloso. Haug explicou a licença artística que Fincher tirou com a imagem: "Enquanto ele queria manter a passagem cerebral parecendo fotografia de microscópio eletrônico, esse olhar tinha que ser acoplado com a sensação de um mergulho noturno — molhado, assustador e com uma baixa profundidade de campo." A profundidade rasa de campo foi realizada com o processo de ray tracing.
Outros efeitos visuais incluem uma cena inicial do pinguim, as cenas em que a câmera passa pelas ruas da cidade para examinar os equipamentos destrutivos do Projeto Mayhem deitados em estacionamentos subterrâneos; a sequência foi uma composição tridimensional de quase 100 fotografias de Los Angeles e Century City pelo fotógrafo Michael Douglas Middleton. A cena final da demolição dos edifícios de escritórios de cartão de crédito foi projetada por Richard Baily da Image Savant. Baily trabalhou no local por mais de quatorze meses.
No meio do filme, Tyler Durden aponta a marca de sinalização— apelidada de "queimadura de cigarro" no filme — para o público. A cena representa um ponto de virada que prevê a ruptura e inversão da "realidade bastante subjetiva" que existia no início do filme. Fincher explicou: "De repente, é como se o projecionista tivesse perdido a mudança, os espectadores têm que começar a olhar para o filme de uma maneira totalmente nova."
A brincadeira da queimadura de cigarro no texto do livro foi bem explorada em termos de linguagem pelo filme, uma vez que há a inserção de aparições de Brad Pitt durante alguns frames ao longo do filme. No total, houve seis vislumbres de Durden, quatro dos quais Fincher chama de "Brads subliminares".
Diferenças entre o livro e o filme
Há muitos anos atrás, li Clube da Luta a primeira vez, logo após assistir o filme e o achar interessante. Voltei a lê-lo para escrever esse artigo e separei as principais diferenças que eu consegui me lembrar e encontrar. Vamos lá:
Durante um dos grupos de apoio, vemos a personagem Chloe implorando desesperadamente por alguém do grupo para fazer sexo com ela. No livro, é um caso muito mais privado, com Chloe confessando seus desejos diretamente ao Narrador, tornando-o uma situação muito menos humilhante publicamente.
O momento mais trágico do Clube da Luta deve ser quando o adorável Bob morre. No filme, vemos isso acontecendo durante uma missão do Projeto Caos para destruir um café e alguma arte no processo.
O livro mostra isso acontecendo de uma maneira completamente diferente, um pouco menos grandiosa. O grupo está roubando dinheiro de telefones públicos quando ele chega ao seu fim.
Um dos momentos mais emblemáticos do Clube da Luta é o encontro inicial entre Tyler Durden (Brad Pitt) e O Narrador (Edward Norton). No filme, vemos que Durden é um vendedor de sabão (daí a capa do DVD do filme) com a mesma pasta que O Narrador quando eles se encontram em um avião.
O livro mostra os dois se encontrando em uma praia em circunstâncias muito diferentes. Durden está construindo algo feito de madeira que cria uma sombra em forma de mão, o que chama a atenção do Narrador. Não está claro por que essa mudança aconteceu.
No livro, somos informados de que o Narrador teve a bochecha tão machucada durante uma luta que há um buraco presente para todo o resto da história. Como isso não é particularmente necessário para a exposição da trama, isso não acontece no filme. A razão por trás de sua exclusão foi provavelmente prática. Se eles tivessem deixado, então Edward Norton teria que ter um buraco editado em seu rosto durante toda a filmagem, o que parece desnecessariamente complexo e caro.
No livro, Marla conta para o resto do grupo de apoio dizendo-lhes que o Narrador realmente não tem câncer é uma jogada particularmente dramática da parte dela. No filme, isso simplesmente não acontece.
No livro, o plano inicial de Tyler é permanecer dentro do arranha-céu enquanto explode. Seu processo de pensamento é que isso o transformaria em um mártir para a causa. É uma situação complexa porque o Narrador percebe seu plano e tenta pará-lo, mesmo que Tyler só exista em sua cabeça.
Obviamente seu plano não funciona, então parece que o filme cortou essa motivação, pois acabou tendo muito pouco impacto na história. Em vez disso, o filme mostra O Narrador e Marla assistindo o sucesso do Projeto Caos à distância
Tanto no livro quanto no filme, Marla percebe que o narrador parou de aparecer nos grupos de apoio. Querendo chamar a atenção dele, ela tem uma overdose de Xanax e liga para ele. No filme, o narrador pega o telefone e ouve Marla falar um pouco antes de deixar cair o receptor, que Tyler então pega. No romance, o narrador nunca atende o telefone, Tyler, começando seu caso. Essa diferença importante destaca a escolha do narrador de não ir ao apartamento de Marla e, sem dúvida, sua covardia. Também estabelece a relação antagônica entre Tyler e o narrador sobre o caso com Marla, mesmo que eles sejam a mesma pessoa: o narrador percebe que, se ele tivesse ido para a casa de Marla em vez disso, ele estaria dormindo com ela em vez de Tyler.
No livro, o último esforço de Tyler no Projeto Mayhem é explodir um arranha-céu contendo um museu nacional, levando-se para fora na mesma explosão que um mártir. A bomba não funciona porque Tyler misturou parafina nos explosivos. No filme, os alvos são as empresas de cartão de crédito. A adaptação de Fincher destaca o tema do consumismo na história. Com essa explosão, Tyler quer eliminar os registros do cartão de crédito e, portanto, a dívida do cartão de crédito, devolvendo todos a uma "ficha limpa". Isso vai para os desejos do narrador de recriar sua própria vida, o que ele desesperadamente tentou fazer explodindo seu apartamento e começando um clube de luta em primeiro lugar. Ao contrário do livro, as bombas explodem, embora seja ambíguo se o prédio em que o narrador está explodindo também.
A icônica cena final do filme vê Marla e O Narrador assistindo sua impressionante exibição de fogos de artifício de explosões enquanto Where Is My Mind? dos Pixies é reproduzida ao fundo.
O livro não mostra isso, e termina em uma nota muito diferente. O romance termina com os funcionários do hospital se revelando membros do Projeto Mayhem, dizendo ao narrador que eles esperam que Tyler volte. O filme tem muito mais, por falta de um termo melhor, "Final de Hollywood". O narrador e Marla se reconciliam e de mãos dadas enquanto prédios explodem ao seu redor. O final sugere que o narrador finalmente matou a parte de si mesmo que era Tyler e está finalmente pronto para começar uma nova vida com Marla. Por outro lado, o final do romance é cíclico, sugerindo que Tyler eventualmente voltará. Claro, os livros tiveram duas sequências de quadrinhos.
Recentemente, circulou a notícia de que o filme "Clube da Luta" teve seu final alterado em uma plataforma de streaming chinesa. Foi dito pela mídia, que a mudança não agradou Chuck Palahniuk, autor do romance que inspirou o filme de David Fincher, de 1999. "Você viu essa merda? Isso é SUPER maravilhoso! Todo mundo tem um final feliz na China!", tuitou o escritor.
Na versão chinesa, exibida na plataforma Tencent Video, a cena final das explosões foi substituída por uma mensagem: "A polícia rapidamente descobriu todo o plano e prendeu todos os criminosos, impedindo com sucesso a explosão da bomba. Após o julgamento, Tyler foi enviado para um asilo de lunáticos recebendo tratamento psicológico. Ele recebeu alta do hospital em 2012." E continuou em seu blog: "Tyler e a gangue foram todos presos. Ele foi julgado e condenado a um manicômio. Que incrível. Eu não fazia ideia! A justiça sempre vence. Nada nunca explodiu. Fini."
Entretanto, a mídia não entendeu ou não quis entender a ironia do comentário, buscando dizer que o escritor estava criticando o "autoritarismo" ou censura chinesa, o que é uma falácia. Na verdade, em entrevista ao site TMZ, o escritor disse que o final chinês se aproxima mais do seu livro, no qual a explosão também não acontece, mas por conta de uma falha nas bombas, e o narrador também acaba em um hospital psiquiátrico e sendo solto depois.
Palahniuk ainda ironizou a polêmica dizendo que vários de seus livros são proibidos nos Estados Unidos, mas isso não vira notícia: "O que eu acho realmente interessante é que meus livros são fortemente proibidos nos Estados Unidos (...), mas só é um problema quando a China muda o final de um filme?", comentou o autor.
Assim, por incrível que pareça, a versão chinesa do filme é mais fiel e real na sua proposta e mensagem final do que a versão da Fox: de que apesar do sistema capitalista ser opressor e desumano muitas vezes, a anarquia não resolveria nada, sendo apenas um reflexo primal do comportamento masculino fracassado e ególatra.
Leitura e crítica do filme
De acordo com Jans B. Wager, o Clube da Luta exibe várias características de filmes noir. O narrador do filme é um protagonista branco que fornece uma narração subjetiva. Ele está envolvido em "um triângulo erótico" com "um objeto feminino de desejo" (Marla Singer) e um antagonista masculino (Tyler Durden), todos brancos. A masculinidade branca no filme difere dos filmes noir, focando-se na classe média alta em vez da classe média baixa ou da classe trabalhadora. Ambos os colegas do narrador são simultaneamente como ele e perigosos para ele, e a trama se passa em "um meio urbano, em ruínas e criminoso".
Com essas características, o Clube da Luta se disfarça de neo-noir. É, em vez disso, melhor classificado como um retro-noir, uma vez que sua apresentação de papéis de gênero é "diametralmente oposta" aos filmes neo-noir, que em contraste "permitem que seus protagonistas sobrevivam, prosperem e cometam ou resolvam crimes, com e sem companhia masculina ou assistência".
Na minha leitura, se repararmos, Bob ter seios grandes é a metáfora perfeita do colo primordial (da mãe) perdido, e que o protagonista sonha em retornar, em uma síndrome infantil e lacaniana que serve para os homens refletirem o quanto são ridículos ao tentarem buscar força em grupos de apoio e na figura de outros homens que admiram.
A personagem feminina é introduzida como uma femme fatale, usando um vestido, chapéu e óculos de sol, fumando um cigarro, e possuindo lábios vermelhos "voluptuosos". Sua presença, independente de "ação ou agência", tem como objetivo mostrar que "ela é a fonte de todos os problemas para o narrador". A femme fatale aparece no início e é substituída por uma aparência de heroína chique para o resto do filme.
O antagonista masculino aparece em resposta direta à "intrusão" desse objeto feminino de desejo, lembrando como a aparição da femme fatale é um catalisador para a entrada do homem em "um mundo criminoso e perigoso". A personagem feminina é apresentada como "necessária, mas periférica", uma vez que ela nunca está totalmente ciente do que está acontecendo.
Keith Gandal define Clube da Luta como um "drama de favela" no sentido de que ele se encaixa entre os gêneros do drama sentimental e do "filme de trauma". Dramas sentimentais de favelas evitam "o ambiente sórdido" e o "ambiente degradado das interações sociais". Eles contêm heróis "saudáveis", que e cujos colegas geralmente têm "rostos e corpos jovens e bonitos" que não se machucam ou se recuperam facilmente de contusões. Exemplos desses dramas incluem Titanic, Shakespeare Apaixonado e Forrest Gump. Em contraste, os filmes de trauma têm "uma tendência para desfiguração e doença" e exibem niilismo "detonado" no qual os personagens dos filmes são paralisados pelo trauma e até se tornam "traumatizantes". Exemplos de filmes de trauma incluem Gummo, Kids, e Welcome to the Dollhouse, assim como muitos filmes do David Lynch.
Há raiva e ressentimento entre os membros do clube da luta de que não serão "milionários e deuses do cinema e estrelas do rock". O narrador descobre que o tratamento dado as celebridades levanta a questão de como ele não pode ser especial. Gandal elabora sobre a natureza dupla que resulta do paradoxo do filme: "Ou o narrador está descobrindo sua vivacidade na vulnerabilidade e poder de dano do corpo, ou está degradando seu corpo e os outros por auto-aversão traumática e depressão... Ou o filme está empurrando humildade ou se entregando a uma fantasia marcial, fascista, de celebridades."
Objetos de amor são degradados em filmes de trauma, mas em Clube da Luta, a degradação não dura até a conclusão do filme. Gandal observa a separação: "O homem abusivo (e auto-abusivo) e a mulher degradada (e auto-abusiva) realmente se reúnem no final, algo aparentemente impensável em um filme de trauma."
O final do Clube da Luta tem características de dramas e finais de filmes de trauma. Como os heróis "saudáveis", o narrador sem nome sobe de "profundidades boêmias", mas como nos filmes de trauma, o narrador não está "fisicamente ileso", sofrendo um ferimento de bala na bochecha. Apesar do protagonista e do objeto de amor se unirem, o filme permanece hostil ao sentimentalismo através da exibição do ferimento de bala e da ironia do sentido do filme.
Os críticos culturais Henry Giroux e Imre Szeman descrevem o Clube da Luta como uma crítica pessimista que se concentra na cultura consumista e como ela molda a identidade masculina e ignora como o capitalismo neoliberal dominou e explorou a sociedade. Eles escrevem: "O Clube da Luta não tem nada a dizer sobre a violência estrutural do desemprego, a insegurança no emprego, os cortes nos gastos públicos e a destruição de instituições capazes de defender as disposições sociais e o bem público."
O crítico cultural Henry Giroux descreve a natureza de Marla Singer como "uma versão ultraconservada da feminilidade pós-1960 que significa a antítese da segurança doméstica, conforto e passibilidade sexual". Essa marca de pós-feminismo se liga a "commodities que exigem e apoiam a manutenção constante do corpo (feminilidade)". Marla Singer encontra suas roupas na lavanderia ou brechós dos outros, então segundo o critico, "ela transgrede tanto através de seus apetites sexuais quanto de sua ostentação das convenções orientadas ao consumo da feminilidade".
Para eles, o filme é "perigosamente sedutor" porque oferece através do Projeto Caos uma possível visão de uma resposta coletiva, por mais perturbador que tal resposta possa ser. A visão, na forma de política regressiva, cruel e obscena, é apresentada como a única alternativa possível para derrotar o capitalismo contemporâneo. Para eles, Clube da Luta é um filme que "revela muito poderosamente os limites surpreendentes de nossa imaginação política", focando na masculinidade e centrado em uma narrativa "elegantemente violenta". Isso nos diz muito pouco sobre as circunstâncias reais e as causas do descontentamento.
Giroux e Szeman descrevem Tyler Durden como um ícone fracassado da revolução cujo apelo público é mais devido à sua personalidade culta do que a qualquer "força de uma noção articulada e democrática de reforma política". Durden age em vez de pensar, assim não consegue vislumbrar movimentos democráticos; ele é descrito por muitos críticos como "um reduto do fascismo do início do século XX". Enquanto o narrador representa a crise do capitalismo como uma crise de masculinidade, Tyler Durden representa "a redenção da masculinidade reembalada como a promessa de violência no interesse da anarquia social e política".
No filme, Tyler Durden mantém Raymond, um jovem funcionário de loja de conveniência asiático, sob a mira de uma arma. Durden ameaça matar Raymond a menos que o funcionário retorne à faculdade de veterinária, uma perseguição anterior que Raymond havia abandonado. A extorsão é falha porque Durden trata a escolha como um ato individual de escolha e que pode ser realizado, ignorando a dinâmica social do capitalismo que impede a faculdade de ser uma realidade para muitos. Os críticos escrevem: "Para Tyler, o sucesso é simplesmente uma questão de tomar à dianteira; iniciativa individual e força pura de vontade magicamente cancelam restrições institucionais, e as críticas da gravidade das relações dominantes de opressão são descartadas como um ato de má fé ou o lamento inaceitável da vitimização."
Os dois críticos esboçam três ausências principais na crítica do Clube da Luta. Primeiro, o filme assume que o capitalismo e o consumismo são "impenetráveis", e não pode haver resistência ou luta contra eles.
Em segundo lugar, o filme se concentra na defesa da "masculinidade autoritária". A violência dos clubes de luta é cúmplice do sistema de mercantilização que denuncia porque se liga à gratificação instantânea, à competitividade aumentada e ao "desejo orientado pelo mercado" de dominar e vencer nas lutas.
Por fim, o Clube da Luta atribui ao mundo uma visão similar à filosofia de Thomas Hobbes, no qual o cinismo substitui a esperança. "A sobrevivência do mais apto torna-se o apelo para legitimar formas desumanas de violência como fonte de prazer e sociabilidade." Eles acreditam que Clube da Luta parece não ter compreensão de sua própria articulação com as próprias forças do capitalismo que parece estar atacando.
Isso é mais evidente em sua ligação entre violência, masculinidade e gênero. Em outras palavras, a visão do Clube da Luta sobre libertação e política se baseia em hierarquias machistas e de gênero que fluem diretamente da cultura de consumo que afirma estar criticando." Clube da Luta é um lembrete de ter discurso sobre ética e política, mas sua crítica fracassada sugere "uma crítica mais sustentada e sistêmica" das condições sociais.
Paulson é morto acidentalmente enquanto participava de uma das operações de "terrorista urbano" do Projeto Mayhem. Em sua morte, ele se torna "um ícone mítico" que recebe seu nome de volta, tendo anteriormente ido sem nome como outros membros do Projeto. O cenário reconta como a morte do ativista nazista Horst Wesselpor ativistas comunistas foi explorada pelo movimento nazista para retratar Wessel como um herói caído. Dassanowsky observa o efeito da morte de Bob e a resposta a ela: "A mitologia e o inimigo construído contra o qual Bob pereceu em batalha obscureceram a 'revolução' reacionária do Clube da Luta."
Concordo em grande com a opinião dos críticos, principalmente no que diz respeito aos problemas do capitalismo e solução anárquica e pouco criativa dos personagens na resolução da trama. Mas acredito que muitos desses problemas aparecem na transição do livro para o filme, sendo a mensagem do livro mais bem acabada, enquanto o livro peca pelo louvor estético, típico do estilo dos filmes dos anos 90, que vão tão fundo no caráter de "homenagem" que esquecem que parte da ironia pode não ser entendida para o público médio, ou seja, que não leu o livro.
Porém o que está escapando a visão de todos na polêmica em torno do final do filme na China, é que com a alteração simples, com um card de algumas palavras, temos um filme comunista, que ri da masculinidade frágil do protagonista, e do pensamento pueril e anárquico americano, que sonha com a destruição para ganhar com a reconstrução. Assim, Clube da Luta se tornou um filme comunista, que satiriza os extremismos de esquerda e de direita, focando em uma visão crítica a estrutura material e histórica do problema, onde o filme é só uma sátira. Foi deliberadamente isso que afirmou o blog de direita e conservador, Breitbart, veículo conhecido por ser apoiador de Trump nos Estados Unidos, ao afirmar que "China dá ao 'Clube da Luta' um fim de propaganda comunista". O erro dessa afirmação é que o que está sendo identificado como "comunismo" do final, já estava no livro de Chuck Palahniuk, provando que essas pessoas não fazem a menor ideia do que estão falando.
O livro dá mais respostas e é mais bem acabado em criticar o anarquismo e o machismo da visão de mundo do homem branco ocidental moderno. De uma maneira talvez didática demais, o filme nos leva a acompanhar através do ponto de vista do protagonista frustrado e errôneo, para canalizar todos os sentimentos negativos do leitor, apenas para no final operar o corte psicológico desses estímulos. É comum se sentir perdido e sem função na modernidade, mas usar isso como ritual de poder para conseguir de maneira anárquica a destruição da sociedade é exagerado.
Clube da Luta é com certeza uma história que reflete mais do que tudo a crise do imaginário político, mas mais do que isso: a capacidade de chegar a pensamentos corretos em torno da sociedade, mas ainda assim não saber como agir perante a total inoperância da sociedade e a desorganização das classes. Assim, o mito da solução anárquica esquece a questão da luta de classes, e como esta questão marca a sociedade de maneira histórica. Esse talvez seja o maior problema do filme, que ignorou que a proposta do livro é que fosse uma sociedade mais distópica, mirando o futuro da atual forma de organização social.
Porém, o problema de ignorar a História e o poder dialético da estrutura estabelecida, é um problema que também está no livro, já que os protagonistas são todos brancos médios, e se de fato a metáfora do herói buscava ter maior relevância buscaria um trabalhador como protagonista. Por outro lado, se buscava ser uma sátira, deveria gostar menos de seu protagonista. Entretanto, há obviamente uma identificação no caráter anarquista de sua visão de mundo, acreditando estar sendo niilista e critico ao capitalismo, quando na verdade está só falhando no traço escolhido entre gênero e proposta: rir do capitalismo atual e sua forma suave de estabelecer seu poder.
Isso explica a divergência de interpretações do filme, tendo espectadores que interpretam tanto que o filme é um manifesto da extrema direita alt-right, como aqueles que entende que o filme é uma apologia ao radicalismo de esquerda e ao "terrorismo". Mas acredito que a história busque refletir como essas duas forças se retroalimentam no século XXI, advogando a favor de grupos políticos e proposta políticas que possam de fator ser realizadas, e não apenas utopias de transição geral e mágica da sociedade. Esse aspecto de Clube da Luta, reflete como nas utopias de revolução existe uma má determinação do papel dos trabalhadores, das mulheres e outros grupos da sociedade, e muito menos como as dinâmicas de sociedade se darão. Assim, Clube da Luta era para ser uma história que advoga a favor do "centro" ou "centro-esquerda", mas que pelo final aberto do final do filme, atraiu uma base de fãs anarquistas, direitistas e negacionistas que buscam ver a trama como um manifesto contra o establisment, visão totalmente divergente a do livro que vê que esse anarquismo está inserido na estrutura do capitalismo, fazendo parte da sua dinâmica e da ideologia de seus agentes.
Esse foi o primeiro grande trabalho do fotógrafo, Jeff Cronenweth, que era filho de Jordan Cronenweth, diretor de fotografia de Blade Runner. A fotografia do filme e as manipulações feitas em torno de cor e imagem, deram um tom único a Clube da Luta. Parece que a película foi literalmente mergulhada em um copo de café e suja com cinzas de cigarro. Há ali um grande trabalho de manipulação da imagem para estabelecer o paradigma da narrativa do personagem, que não consegue dormir e por isso tem sua perspectiva da realidade alterada. Essa característica surreal é muito bem explorada junto aos momentos que o filme fez uso dos efeitos especiais, não para extrapolar a narrativa, mais sim para intensificar seus contornos, como na parte do pinguim, do cérebro ou do apartamento. Esse trabalho técnico de imagem, junto com os efeitos demonstram muito profissionalismo e conexão com a proposta estética original do livro. Mas por vezes, principalmente no final do filme, parece haver um esforço para colocar efeitos especiais em qualquer coisa possível, já que o filme havia recebido mais orçamento ao longo da produção.
O elemento da marca de cigarro também, que foi muito bem explorada pela linguagem do filme. A direção do filme entendeu muito bem e soube sintetizar as metáforas visuais do livro, e como elas deveriam operar as vezes de maneira descritiva e outras de maneira totalmente visual e psicológica.
Esse é um filme da atenção nos pequenos detalhes da produção de forma a formar um convencimento subjetivo de como a trama é demonstrada e os elementos que a percorrem. Tomar uma cerveja na calçada de madrugada, ou a casa com seu interior aos pedações em oposição a casa perfeita e até mesmo a forma de retratar a insônia; há uma primazia pelo mostrar e pela linguagem psicológica do trama, que forma uma teia de significados sensíveis, ao invés de apenas adaptar a história.
Obviamente Fincher sabia o que estava fazendo, mas tenho sérias dúvidas da intenção da Fox em adaptar esse filme, justamente dando o corte final que escolheu dar o filme. Há certa intenção de reduzir a trama e estabelecer que qualquer tentativa de criar algo novo ou uma solução política está fadada ao fracasso. Uma mensagem obviamente pessimista e conservadora, que a linguagem inicial e satírica do filme não buscava fazer, divergindo muito do final que parece quase uma piada por acreditar na solução. Colocando os personagens numa posição de passividade e redenção sem sentido, pois a trama já é contra a ideia de redenção, e por isso a ironia final do pênis na tela, apesar de desconfortável, parece uma sátira perfeita com o final que o público e o estúdio queriam.
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